Nacida en el año 2000, permaneció en el Colegio de los Trinitarios y desde muy temprana edad por temas familiares, vivió en algunas de las ciudades más importantes de España e incluso de Europa. Todavía siendo muy joven permaneció en Bruselas donde acabó el bachillerato. Inició sus estudios universitarios en la Facultad de Bellas Artes ubicada en el campus de Moncloa, de la Universidad Complutense de Madrid, donde permanece en la actualidad como estudiante de cuarto curso.
PREGUNTA: Para conocerte un poco más, Daphne ¿Por qué te matriculaste en la carrera de Bellas Artes? ¿En qué momento de tu historia personal nace la idea de estudiar Bellas Artes?
RESPUESTA: Aunque suene un poco cliché, desde muy pequeña lo tuve bastante claro. La creación siempre ha sido lo que más me ha movido y al haber estado toda mi vida dibujando y pintando quería profundizar de una manera profesional en las prácticas artísticas. Me matriculé en Bellas Artes para tener la oportunidad de experimentar con un gran número de prácticas. Mi objetivo fue no especializarme en algo sin haber conocido el resto. La carrera ofrecía ese abanico de conocimientos.
P. Al principio de tu carrera ¿Cuál era el contexto artístico en el que te movías? En esa época, ¿Solías ir a exposiciones?
R. Al no tener ninguna base sólida previa cuando comencé mis estudios artísticos, en ningún momento del principio de mi carrera, he valorado lo que producía como obras. Me consideraba aprendiz y estaba más bien expectante a los conocimientos que me iba a brindar esta oportunidad.
Aun siendo un terreno que me interesaba no sabía bien cómo abarcarlo. El que me exigiesen en mis primeros años de carrera ir a ciertas exposiciones, me hizo descubrir el gran regalo que supone ir a visitarlas y el aprendizaje personal que ofrecen.
P. ¿Cuáles eran tus perspectivas antes de entrar en la facultad de BB. AA? Ahora que te encuentras como alumna de cuarto curso ¿Puedes decir si están cumplido tus ideales?
R. Mis perspectivas eran sobre todo técnicas. Esperaba aprender las prácticas artísticas de forma profesional para poder crear mis ideas gracias al control de la técnica. Sin embargo, se han visto superadas. Los primeros años van más enfocados precisamente a esta cuestión: su contenido ha resultado ser más amplio de lo que me esperaba. He adquirido los conocimientos precisos además de descubrir un amplio abanico de prácticas, formas de pensar, de organización, etc.
P. ¿Cuál era tu visión de la práctica artística en tus primeros cursos en la facultad? ¿Fue cambiando con el tiempo?
R. Mi visión al comienzo provenía más bien de imágenes realistas o figurativas. Con el tiempo me he ido adentrando en el arte contemporáneo donde no hay barreras y encontramos un sin fin de herramientas de expresión. Me llaman la atención las texturas, las formas, incluso me impacta actualmente más la imagen en tres dimensiones que las prácticas pictóricas planas. Antes de entrar a la facultad pensaba únicamente en una imagen plana a la hora de crear, de tener ideas. Hoy en día no tengo límites, pienso todo tipo de recursos y métodos para crear o presentar una obra que sobrepasan de largo la idea que tenía sobre el arte.
P. Eres estudiante de BB.AA. amante de la música, historia, lectura, viajes, paseos y arte, ¿Puedes explicarnos acerca de tus intereses y cómo los conectas a tu práctica creativa? Una persona tan joven como tú ¿Cuántas cosas tiene en la cabeza que pueda aportar al mundo del arte?
R. Considero que los jóvenes de mi generación a lo largo de nuestros años nos hemos visto rodeados por una situación de aceleración tan grande que a todos nos ha impactado de cierto modo. Se han sucedido una serie de acontecimientos muy importantes además de, soportar un ritmo de vida a veces desfasado con el cuerpo orgánico. Percibo cansancio general, pero también investigación, innovación y creatividad que surge de tanto impacto. En general, me interesa actualmente temas que me preocupen o me interpelen, que estén actualmente sucediendo y pensar sobre ellos como puede ser la tecnología o la ecología entre otros.
Normalmente me he desenvuelto en la pintura a la hora de construir mis obras, aunque últimamente tengo especial interés en el arte textil.
P. ¿Qué o cuáles características te gustan más de la carrera? ¿En qué área te gustaría desarrollarte laboralmente cuando termines tus estudios?
R. En concreto en mi universidad, la Universidad Complutense, me gusta la organización de la introducción de los conocimientos a lo largo de los cuatro años establecidos. Los primeros años se centra la atención en impartir las enseñanzas más relacionadas con el arte a lo largo de la historia (pintura, dibujo, escultura), de la forma académica poniendo además a disposición un o una modelo, lo cual es todo un lujo que fuera del ámbito universitario, no es tan asequible. No todo el mundo es partidario de este estudio académico, pero conforme vamos avanzando aparece la segunda parte de la carrera. Es entonces cuando abrimos el campo y conocemos más formas de expresión y metodologías para desarrollar nuestros proyectos. Simultáneamente tenemos un abanico de materias optativas, que va ocupando más espacio cada año que se avanza en los estudios. En general hacemos un gran número de prácticas, materiales, técnicas y tenemos la oportunidad de encontrar un camino que nos interese.
Sigo sin tener claro mi futuro. He estado bastante segura de especializarse en la docencia dentro del terreno artístico, pero a día de hoy, dudo si especializarme en alguna práctica artística.
P. En el libro la Historia del Arte de E.H. Gombrich, abarca desde las pinturas rupestres primitivas hasta el arte experimental contemporáneo puede leerse: "No existe, realmente, el Arte. Tan solo hay artistas." ¿Se puede afirmar que el arte es sólo la suma de lo que cada uno de los artistas está haciendo en un momento determinado?
R. En mi opinión, creo que el arte es una forma conjunta de lo que todos los artistas de una época están haciendo en ese momento influenciados por las circunstancias. Entonces sí, el arte lo hacen personas, pero constituye al final un conjunto que pertenece a una época que se sitúa cronológicamente, tanto una corriente de una masa, incluso el estudio de un artista que difiera en la corriente del momento. El ser humano vive en sociedad y el artista también desmitificando la idea del artista individual y solitario por lo que la producción creativa de cada momento es un factor más de la sociedad como reflejo o como impulso.
P. ¿Qué importancia das a la formación en arte? ¿Es importante que esa formación se complete fuera de nuestras fronteras? ¿Quiénes son tus referentes?
R. No considero imprescindible la formación en el arte, como dice el artista alemán Joseph Beuys, “todo ser humano es un artista”. Sin embargo, la construcción de nuestro sistema educativo no fomenta el lado creativo, artístico por lo tanto es un estudio que aún se sigue considerando en algunas ocasiones como secundario, de ocio. Hay grandes artistas que no tienen formación artística. En mi caso personal, si necesitaba esos estudios, sabía que me interesaba el campo artístico, pero no cómo abarcarlo ya que no estamos acostumbrados a estudiarlo los años anteriores. Aunque no los considere imprescindibles para ser artista o indagar en este mundo, si me parecen muy útiles y gratificantes.
P. ¿Tiene algo que ver la inspiración con la solución exitosa de los problemas? ¿Prefieres trabajar en equipo antes que sola?
R. La inspiración no aparece en todos los momentos, sobre todo cuando estamos bloqueados y no nos permitimos estar abiertos al mundo. Con los problemas pasa igual, al tener un muro delante no se percibe la solución hasta que no buscas, investigas, observas y te dejas atravesar por los sucesos diarios.
He probado las dos maneras y me parecen interesantes ambas. Sola me organizo a mi manera, no dependo de nadie además de poder tener momentos enfrentándose a problemas y superándome a mí misma. Paralelamente resulta también muy interesante el trabajo en equipo, la conversación de ideas, el apoyo entre todos en los momentos de desesperación y la felicidad compartida al ver la creación conjunta. Espero no dejar nunca de tener las dos posibilidades.
P. ¿Te surgen a menudo tus mejores ideas cuando no estás haciendo nada en especial? ¿Confías en las corazonadas intuitivas y la sensación de estar o no en el camino correcto al acercarte a la solución de un problema?
R. A mí de momento no me ha surgido el levantarme a las cinco de la mañana con una idea revolucionaria. Es cierto que el día a día, formas, objetos de la calle me transportan a ideas si estoy receptiva a ellas. Pero también tiene gran parte de trabajo de investigación, iniciar una búsqueda, estudiar referentes, hacer lluvia de ideas y analizar la mejor forma de expresar una reflexión …. Incluso hay ocasiones en las que tengo que hacer una introspección para observar qué preocupaciones o intereses tengo en ese momento.
P. ¿Puede el arte transformar la educación? ¿Cómo crees que puede conseguirse en el momento que vivimos?
R. El desarrollo de la tecnología ha permitido la sustitución de humanos a máquinas en muchos trabajos mecánicos. Existen estudios, manuales y sobre todo internet que permite a golpe de tecla tener la información que deseemos. Por lo tanto, el método de memorización y luego volcar todo lo aprendido en un examen me parece desfasado para como de veloz han cambiado los tiempos. Para adaptarse a las necesidades actuales deberíamos potenciar la creatividad, en todos los ámbitos, otra organización de las aulas donde haya movimiento, pensamientos, movimientos…
Lo que primero debería cambiar es la formación del profesorado, proponer nuevos métodos de enseñanza para aplicarlos después con sus alumnos.
P. ¿Se puede mejorar la sociedad actual a través del arte? ¿Puede ser el arte un punto de encuentro entre personas con ideologías opuestas?
R. Vivimos un momento de hiperestimulación que nos llega a anestesiar. Considero que, el arte tiene la capacidad de provocar, además, con la cantidad de imágenes que consumimos y medios que son parte de nosotros ya como las redes sociales se hace más accesible la trasmisión del arte. Pero existe un ambiente de desconcentración y avalancha de información que puede distanciar al público de la obra.
La propia práctica artística tiene beneficios muy importantes para las personas. Podemos comprobarlo con la arteterapia para el cuidado del bienestar emocional.
Sí que opino que puede haber conversación a través del arte siempre que haya respeto en esas ideologías. Si no hay respeto, por lo menos por mi parte no va haber conversación con esa idea diferente.
P. Con la importancia que ha adquirido la imagen en la sociedad, ¿Consideras que las artes visuales ocupan el espacio que le corresponden en el panorama cultural?
R. Actualmente estamos inmersos en imágenes que nos van desfilando por segundos. Gracias a la digitalización vivimos en una hiperestimulación que provoca en ocasiones una anestesia frente a ellas, por lo que normalizamos hasta tal punto las imágenes que también disminuye el valor que les damos en comparación con un tiempo pasado. Ocupan en gran parte un puesto de engranaje de la sociedad capitalista, es decir, mientras sea un apoyo para un producto. Sí, es cierto que cada vez tiene más demanda por su constante presencia en nuestras vidas, ahora, la producción artística como expresión sigue siendo una vía muy difícil y exclusiva para elegir como sustento de vida. Además, existe una idea generalizada de considerar arte exclusivamente aquello que se encuentre expuesto en alguna institución artística y que alguien por lo tanto lo nombre como tal.
P. ¿Cómo se puede desarrollar el pensamiento crítico y las competencias emocionales a través del arte?
R. Estudiar la obra de artistas te hace conocer el momento histórico que les estaba atravesando. Muchos son los creadores que han utilizado sus obras como medio de denuncia. A través de la emoción alcanzan a los espectadores señalando aspectos que critican.
El estudio antropológico artístico permite comparar las demandas de distintas épocas, la posición del arte en la sociedad, la censura, la libre expresión.
Como he mencionado antes, gracias al arte como medio se ha podido poner en cuestión múltiples aspectos de la sociedad a lo largo de los años. Al estudiar este pasado y mantenerse conectado con el arte contemporáneo entrenaremos la capacidad creativa además del pensamiento crítico.
P. La última obra de Leonardo da Vinci “Salvator Mundi' fue subastada en una exposición en Nueva York por un valor de más de 450 millones de dólares. ¿Qué causas puede justificar el que se pague ese precio por dicha obra?
R. El mercado del arte es un terreno un tanto ambiguo con intenciones que se alejan del simple amor por el arte, siempre existe debate. La obra de Leonardo da Vinci aparte de ser probablemente una obra emocionante, bonita a ojos de uno, inspirante guarda otros intereses que le otorgan ese precio. En primer lugar, el nombre lo es casi todo. Leonardo da Vinci es mundialmente conocido como un maestro. Además, es un maestro ya fallecido, por lo que su obra adquiere mayor grado de exclusividad y reliquia. Tener la capacidad de adquirir esa obra es un símbolo de poder y de buena imagen para el comprador. Detrás de cada compra en la mayoría de los casos hay una intención de inversión para una futura reventa más costosa o un juego de apariencias.
P. ¿Por qué la Mona Lisa se considera la obra de arte más valiosa en la historia del arte? ¿Quién era la Mona Lisa en la vida real? ¿Cuál sería su valor en este momento?
R. Ciertamente he tenido que buscar la razón. Es curioso porque al igual que en mi caso, todos damos por hecho que es una de las obras más famosas y valiosas del mundo sin preguntarnos el porqué. La Mona Lisa tiene una historia de anécdotas detrás que son la razón de su fama. En primer lugar, el nombre del artista es el que hace además que estas anécdotas sean tan curiosas incluso divertidas.
Se dice que el retrato corresponde a Lisa Gherardini, esposa de Francesco Giocondo. Era considerada una obra menor hasta que Napoleón Bonaparte la adquirió por capricho y la colgó en su dormitorio. Tras su exilio pasó a ser parte del Louvre clasificada como un retrato más del Renacimiento. Fue el robo de 1911 lo que movió a toda Francia centrando toda su atención en este suceso. Se le llego a acusar a Pablo Picasso hasta que descubrieron que fue un carpintero italiano de la zona donde se pintó en un principio el cuadro. Desde ese momento todo el mundo la conocía y fue trasladándose su fama con los años, aunque olvidando estos sucesos.
También hablan de su enigmática sonrisa y el juego óptico que creo Da Vinci con su mueca. Es una obra que ha dado mucho juego rodeada de anécdotas y misterios.
P. Jay David Bolter profesor de la Escuela de Literatura, Medios y Comunicación del Instituto de Tecnología de Georgia plantea que desde mediados del siglo 20 vivimos un proceso en donde expresiones originales de cultura -los dibujos animados, el cómic, el hip hop, etc.- comparten un mismo plano con la denominada "alta cultura” ¿Estás de acuerdo con esto? ¿Qué retos plantea el arte digital respecto al arte “tradicional”?
R. No considero que compartan el mismo plano como se les conoce por separado: la “highcult” o alta cultura dentro de su exclusividad frente a las “masscult”, cultura de masas con un concepto completamente contrario, accesible a todo el mundo. Sin embargo, sí que hay un proceso de convertir la alta cultura en cultura de masas mercantilizando esas imágenes universalmente conocidas en souvenirs, ropa, estampados… Los grandes cuadros que se encuentran en los mejores museos vigilados durante las veinticuatro horas están a la misma vez en unos calcetines o en una copia colgada en un salón. Así mismo se está repensando todos los conceptos dentro del arte. Surge entonces el concepto de “post arte” donde se le da una vuelta a todo lo preestablecido. Por ejemplo, estamos viendo cómo el arte urbano llega a las paredes cerradas en una galería, los comics y aquellas creaciones propias de la cultura de masas suben escalones y adquieren más reconocimiento dentro de la élite.
P. ¿Cómo convertirías Alcázar de San Juan en una ciudad del Arte?
R. En primer lugar le daría más importancia a una educación artística. Facilitar el acceso ab sus estudios abriendo institutos, escuelas, talleres y centros donde todo aquel que tenga esa preocupación posea la oportunidad de probar y estudiarlo. También aumentaría el número de certámenes y los modernizará como por ejemplo un certamen o festival de murales siempre siendo respetuosos con el propio pueblo y sus habitantes en él. Por último, fomentaría la visibilidad de arte en espacios, galerías, dentro del pueblo teniendo en cuenta artistas jóvenes de la zona…
